钢琴和表演
『壹』 钢琴系与钢琴表演的区别
钢琴调整是一门艺术，钢琴不经调整就不能成其为钢琴。在钢琴调整的学习与实践中要摸索与遵循钢琴在结构、音律、音质等方面的规律，并将其上升为理论来指导实践，最终将其上升为理性的高度、感性的表象，由感觉来把握对触感、音准、音质的调整。
钢琴是为了满足触感与听觉需要而由羽管键琴和击弦古钢琴改进而成的。钢琴的每一次开发与研究均离不开为满足触感与听觉这个前提——在触感方面有击弦机、断联、踏瓣等的产生与改进，在听觉（音准、音质）方面有铸铁弦架、弦列、弦马等的产生与改进，所以钢琴的调整也要围绕为表现感觉来进行。
调整艺术的实践方面
调整分为三个部分——触感调整、音准调整、音质调整。下面我就这三个方面进行论述。
I.触感调整
触感包括琴键的触感与踏瓣的触感，是一种很抽象的感觉。什么样的触感才是良好的呢？对琴键来说：手指触键时既不能太沉而吃力，又不能感觉轻而用不上力，击键灵敏度要达到8～12次/秒，且触感要均衡，相邻琴键的力度均匀一致，演奏半音阶时不能忽轻忽重，忽强忽弱。对踏瓣来说：应灵活无杂音，踏下踏瓣时制音器、弱音器或背档应同时开闭。
为了能有良好的触感，钢琴有许多调整数据。比如：开门50mm、键深10mm……实际上这些数据起着说明其零部件相互关系的作用，而并非是一个“死”数值。开门50mm、键深10mm表明击弦机总作用比是1:5。在比值不变的情况下，若开门是47.5mm，那么键深达到9.5mm即可。在键深9.5mm时，又可以依据具体情况选择适当去掉键下垫片或选择白键面平19.5mm，以满足键深10mm、白键面平20±1mm的要求。
再如：钢琴键深一般是9.5mm，但有些钢琴制造者认为大部分的演奏是在键盘中央部，就特别把那里的键深定为10mm。这是因为：随着演奏，键子的深度往往浅起来，直到稳定在9.5mm的缘故。这也同样说明钢琴调整的依据不是固定不变的数据。其实就象手指能指出月亮，但并不是月亮一样，数据是钢琴达到良好触感的一个参照指标，但并不等于良好的触感。调整人员要做的是根据数据摸索其中的规律。
对于触感，人们各自有着不同的要求。斯坦威公司的音乐会首席技师弗兰茨曾给许多钢琴大师调过琴，他记述到：
霍洛维茨喜欢的击弦机必须反应很灵敏，下键时只需轻轻一触，指尖感觉不出键子回弹力，与此同时手指离键后，琴键又会迅速有力的返回原位。
鲁宾斯坦需要的击弦机键回弹力要比霍洛维茨的大，他喜欢下沉深度较深的琴键，要求手指感觉到键的反弹。
古尔德喜欢很浅的下键深度，他的演奏方式非常独特：身体前倾，坐得很低，有时鼻子都快碰到钢琴了。
弗兰茨在调整时要分别满足他们的不同要求，他说：“作为一个钢琴技师我必须清楚的知道每架钢琴能让我做什么”。
这也就是说：触感的调整是调整人员依靠良好的表现感觉，按照钢琴构造的规律使其键盘机械部分能如实传达演奏者演奏感觉的过程。
——触感调整工作围绕感觉而进行。
II.音准的调整
音准包含了三项绝对不变的标准：
1．钢琴的标准音a1符合要求 2．音程间的相互关系符合十二平均律的要求 3．同度、八度要纯正
也许有人会问：国际标准音a1为440Hz,应用十二平均律，钢琴上的每个音会有固定音高，是不是调律应与感觉无关了？
在现实生活中，具体到每个乐团都有自己的音高标准。比如：费城交响乐团和克里夫兰交响乐团的音高标准是440Hz，芝加哥交响乐团的音高标准是442Hz，而德累斯顿交响乐团的音高标准是446Hz。在调律中a1音高的改变将会使整架琴的音高都发生变化；基准音组的音高变化将会影响分律中相关联音之间的拍频。这样看来调律是不是又无章可循了？
其实在调律的过程中，我们只要摸索出音律的规律就会在一切情况下使音准达到标准：
1．取音符合a1=440Hz,a1=442Hz,a1=446Hz……
2．在最关键的分律过程中，使大三度，纯四度，纯五度，大六度符合渐快的规律就会使平均律正确无误。
3．同、八度无“拍”，进而使整架琴音准准确。
当然，这一切都依赖于对“拍音”的感觉的把握。
在钢琴调律的过程中，不光音准感离不开抽象的感觉，调律人员使用工具将钢琴音律调准这一过程也是离不开感觉的。
调律操作的首要问题是将音稳定在准点。而谈到这一问题就不得不涉及到弦轴这一关键部位。
弦轴可分为a、b、c三段。
a段为弦轴板所咬合。弦轴板牢固地稳定住弦轴，产生定位效应，保持弦的拉力。
b段为绕弦部分，力量不断向下，缓解拉力。
c段为插入扳子的部分，是最初受力者。
调音时c段最初受力。b段因缠有弦，当扳手上行转动时产生相反方向的拉力，当扳手下行转动时与c段拉力一致。而a段因被弦轴板紧紧咬合，所以对由c经b传递来的力产生抵抗，这样弦轴的前部与后部不能同时转动，弦轴将会产生变形。当调律人员通过扳手对c段施力，足以克服b段与c段的阻力时，a段才会在旋轴板内产生转动，而此时c段与b段已产生很大（相对）变形，所以在a段略过准位后要回扳以解除b段与c段的变形,才能使音固定在准位。这也就是威廉.B.怀特在其著作中一再强调的“要转动弦轴，而不是扭弯”的原因。
那么如何确认弦轴是否在准位呢？不能靠眼睛看，眼睛看到的只是扳手在带者弦轴旋转;也不能光靠耳听，耳朵听到准位了，往往是一松手音就跑了。正确的方法是用心感觉——通过手对扳手的操作，感觉弦轴在弦轴板内的运动，确定弦轴是否稳定在准位了。
弦轴固定在准位了，如何能稳定得长久呢？同样离不开感觉的把握。
弦在张挂中分为五段。固定端点分别与弦枕、码钉等部件发生摩擦产生滞涩，使弦在调律过程中很难六段同时均匀拉长，因此给音的稳定带来了困难。解决的方法就是依靠操扳与击键克服滞涩，使五段弦相对均匀运动。金先生曾风趣地将这种情况称做“通了”。只有使五段弦成为一个整体，上下都“通了”，音准才会稳定得长久。
判断是否“通了”不能用眼睛去看每一段是否运动了，也不能用尺去量每一段拉长多少，更不会去用公式计算什么密度，看看变化是否均匀，只能依靠感觉，依靠调律人员良好的感觉,在击键与操扳的帮助下去体察弦的运动情况。
当然，使弦“通了”与上面讲的对弦轴的控制是同时进行的。
在音准准确、稳定长久的情况下我们还要谈一谈音准曲线。
威廉.B.怀特在他的著作中对音准曲线问题做了论述——调律师在严密遵循自己感官发展的准确度进行调律时会发现：与计算出的频率相比，最高音部和最低音部的八度有分别向上向下延伸的感觉,这与人的听觉相适，机械的照搬理论与数据只会让人听觉不满。
此论述恰恰证明了调律不能靠生搬理论、计算数据、使用仪器来进行，而是要依据正确的感觉来进行。
在调律时，要依靠感觉来把握平均律、把握准点、把握弦的运动。调律后的钢琴在音准曲线方面要满足人们的听觉需要。可见：音准调整工作围绕感觉而进行。
III.音质调整
音质包括音色、响度与发音持久性。
由于有制音器的原因,发音持久性取决于共鸣器件（一般不作调整）。音色与响度虽也依赖于共鸣器件,但可因对榔头（主要调整对象）的调整而做改善。
对于榔头来说,决定钢琴音色与响度的因素主要是击弦历时。击弦历时适度会使弦充分振动,音色美妙,响度适中。击弦历时过长,长于弦的振动周期,那么榔头将压制住弦的部分振动,音的响度因此而降低,音色也会变坏。
影响击弦历时的因素有榔头的质量与弹性。
榔头质量大,惯性大,击弦历时长；榔头质量小,惯性小,击弦历时短。
在弹性方面,榔头毛毡密度大,也就是榔头硬,在敲击弦时会把积聚的力一下就传出来,击弦历时就短。如果榔头毛毡柔软,情形就相反,这时力的传送是逐渐增加的。当榔头过分柔软时,它会“粘滞”在弦上,击弦历时就大为增加。
由于每架琴的共鸣器件在制作中都有所不同,所以即便是同一副榔头,在不同的琴上产生的音质也都会不同。而在同一架琴上:低音部分为造成音色浓厚的印象，第一谐音要强;高音部分要亮，也就是要有高谐音存在。所以在同一副榔头中，榔头的质量、弹性与击弦历时也要随着弦组变化。
威廉.B.怀特指出“对音色的调整，是要使一架钢琴完全依据触键的各种情况产生在中音部包括直到第十二泛音的所有泛音的波形。钢琴的榔头的功能是为这个目的提供物质手段。整音师的职能是处理榔头，使原先只不过是潜在的东西最终得以实现。”
由于榔头的质量相对不变，整音一般针对榔头的弹性而进行。
处理方法主要有两种：
1.改变榔头形状以改变原音色
2.改变榔头软硬程度以改变音色
改变榔头形状的手法主要包括：熨烫与打磨（主要用于对旧榔头的修复）。
熨烫是为了使松软的榔头毛毡收缩，而被压缩成较适宜的形状。
打磨是在此基础上对榔头搓磨，改变其形状以改变其音色。这时要靠听觉来判断榔头状况。（榔头头部的弧型圆一些，与弦的接触面积会大一些，弹性小一些，击弦历时会长一些，音色会暗一些。）
通过改变对榔头的软硬程度来改变音色的方法有两种：
1.榔头过硬可采用针刺法使毛毡松软
2.榔头过软可涂抹处理液以增加其硬度
整个整音环节的关键是良好的音色感，也就是“建立一副音乐的耳朵是成为整音师的最重要的因素”。榔头的软硬程度不是靠手摸眼看来判断的，而是靠听觉来确定的。音色噪而刺耳就说明榔头过硬了；音色闷而音量小就说明榔头过软了。
在整音过程中，整音师依据听觉做出判断后采用相应的手法来调整，边调整边进行对比与检验，以免调整过度。调整对比与检验的参照标准就是整音师或演奏者内心建立的音质标准。其实整音就是感觉与把握所调整钢琴的音质变化，使之与整音师或演奏者内心建立的音质标准尽量一致的过程——音质的调整是围绕感觉来进行的。
由上可知触感、音准及音质的调整都是围绕感觉来进行的。
调整艺术的指导思想方面
不光在具体的操作与实践中感觉很重要，在从事调整艺术的指导思想方面感觉也很重要。
比如“胸有成竹”这一典故——北宋著名画家文与可以擅画墨竹著称，当时的许多文人都曾对其画法做出过论述：苏轼在其文《文与可画筼筜谷偃竹记》中论述到“故画竹，必先得成竹于胸中”。晁补子在《赠文潜甥杨克一学文与可画竹求诗》一文中说“与可画竹时，胸中有成竹”——这些都指出了在从事艺术的过程中建立艺术概念的重要性。建立艺术概念对于调整人员来说就是要建立良好的弹奏感、音准感与音质感。
又如：《庄子．养生主》中记载着庖丁解牛由眼中全牛到眼中无全牛，进而到用心去感触而不必用眼去观察的过程。庖丁摸索事物规律的方法用在钢琴调整的学习与实践中是一样适当的——为了科学地调整钢琴（解牛）我们要了解钢琴构造的规律、音律的规律、音质的规律（眼中全牛到眼中无全牛），最终建立良好的感觉，并以其（弹奏感、音准感与音质感）为依据进行调整（用心感触，解牛十九年而刀刃若新发于硎）。
结论
钢琴调整就是以建立良好的音乐概念为根本，捕捉与把握音乐感觉，利用钢琴构造的规律、音律的规律、音质的规律。通过对触感、音准、音质的调整以使钢琴充满表现力的艺术。
感觉是钢琴调整艺术中的重中之重，一切围绕感觉来进行——建立感觉、依据感觉为了表现感觉。
『贰』 钢琴表演的好处
“刘汉钢琴车”周四周五在外联系表演场地，演出主要安排在周六周日版，而且孩子权不随车行，车开到外地时是不专门回来接孩子，孩子只在周末最多花两三小时搭公车赶到车所在地，而且车上有练琴的地方，有学习的全套设备（桌椅、DVD、电脑等），是不会影响孩子文化课正常学习的，而且社会活动能使孩子的做事能力提高，学习效率提高，孩子的文化课始终保持在全年级前10名。作者有意让孩子平时只用百分之八十的力量来完成其他孩子百分百力量完成的学习任务（当然要靠好方法），到了考试一用上百分之百的力量就能超过别人。
『叁』 钢琴和表演哪个更有出路
做好了都有出路，而且可能成名成家。关键看自己的努力程度如何。以及有没有贵人相助。
『肆』 表演系和钢琴系有区别吗
表演系是影视学院内专业，钢琴系是音乐学院内专业。
『伍』 钢琴表演和钢琴的音乐学有什么区别
你好，楼主，首先在大的方向上，钢琴和钢琴的音乐学是没有很大区别的，钢琴表演更注重技巧，打一个比方，李斯特的钟难度系数比较高，但是整首曲目的没有很多情感，而钢琴的音乐学，比如作曲分析什么的，比较注重的是作家的情感，分析作家的作曲风格，比如莫扎特的大体风格是欢快明朗，曲目活泼，分析曲子的创作背景，但是总体而言，钢琴和曲目是挂钩的，所以我建议不要换专业。音乐学的是一个大体，而钢琴只是音乐学的一个部分，音乐还包含我国的传统音乐，西方音乐，而西方音乐又包含古典时期，浪漫时期，音乐又有乐器，如果转到音乐学，可能会把钢琴稍微丢下些吧，如果楼主是喜欢钢琴，就没比要换专业，详细的情况可以去问下学音乐学的学生。谢谢
『陆』 报考表演系不太会跳舞和钢琴这些乐器，可以吗但是会唱歌。
表演艺考考什么？怎么考？
表演考试是不会要求你考乐器，但是形体考试一般会要求舞蹈展示，是必考的，要予以重视表演艺考的考试内容分为“声台形表”四门课，即我们说的声乐、台词、形体、表演四门功课。都是必须考查的内容。下面我做一个简单的介绍，希望对你有所帮助：
声乐
由考生自选内容，声乐倾向于考查学生对音乐旋律和节奏的把握。在声乐环节中，考官打分的重点并不在于考生的声乐水平，而更看重考生在声乐考试中的表现力，包括表情或肢体等方面的表现力。
台词（通过朗诵形式考查）
朗诵同样是由考生自选内容，是希望听到学生的自然声音，包括普通话水平和声音条件，但最重要的还是对作品的理解。考生可以选择反映现实的散文、诗歌、小故事等比较合适，便于表达对于人、自然以及生活的认识。
形体
形体考试可采用舞蹈、武术等方式展示，同样由考生自选表演内容，侧重于观察考生是否掌握了一些关于身体运用的基本技能，考试不会按照挑舞蹈演员的路数来评分，考生最重要的是表演出一种真实的感受，并且去感染别人。
表演
对于第一次见面的考生们而言，考察的内容不仅仅局限于表演本身，还要考察考生的适应能力、交流能力、想象能力以及表现欲望的强弱。作品完成好坏并非全部，考官更希望在这个过程中看到考生对于人、事、物的理解。
『柒』 什么叫钢琴表演专业钢琴表演专业要具备些什么怎样才能算的上钢琴表演专业
什么叫钢琴表演专业？
“钢琴表演”专业 是通常音乐学院或者艺术学院的一门专业 钢琴通常分为“钢琴表演”和“钢琴教育” 当然钢琴考大学的选择还是很多的 比如音乐学 作曲 等等
钢琴表演专业要具备些什么？
钢琴专业的程度 也就是考大学时需要具备的程度 而且“钢琴表演”这个专业 要求比较高 要比“钢琴教育”或者像是音乐学 试唱 作曲这些冷门所要求的程度都要高 而且竞争力也比较高 很多人都会选择这个专业
怎样才能算的上钢琴表演专业？
这个可能会有一个范围 你的老师会给你相应的评定
（至少要能够弹业余九级（或最高级）以上的曲子 这是每个专业都要求的 毕竟是大学的专业 ）
这些都是我的老师告诉我的 她是大学的教授也是考官 曾经咨询过这个问题
我最初想要提前一年考因为程度不够她建议我考冷门音乐学 留得一些曲子都是考专业里面比较简单的 但是后来因为耽误了 没能提前考 所以还剩下很多时间 她就给我加大了曲子难度 让我有更多的选择 但是老师说现在虽然很多人选择钢琴表演专业 但未必就一定好 毕业之后都不知道要做什么 最后只能到某个教育机构专门教钢琴了 而试唱 音乐学这些冷门 出路会更多 考研也比较容易 没准还能留校之类的
望满意！
答案仅供参考！
『捌』 我是今年的艺术考生！学习钢琴的！不明白钢琴表演和钢琴教育有什么区别 那个更好
钢琴表演专业性要强，钢琴教育就是全面的…唯一的好处就是钢琴教育出来有教师资格证，表演却没有，读出来另外去考…如果你想学出来当老师，那就选教育吧…
『玖』 钢琴和演讲在一起进行表演这叫什么表演
配乐诗朗诵，是播音主持专业学生的必修课
『拾』 钢琴表演礼仪是什么怎么鞠躬
稳步上台，不要跑颠，走到钢琴旁边，向观众表示对他们掌声的感谢。当鞠躬时，腿应该保持靠在一起并保持笔直，应该从腰部向地板弯曲。双手应该保持在双腿的两侧，当向下弯曲时，眼睛和头部应朝向脚趾。
比赛时面带微笑、挺胸抬头，眼神不漂移的台风是演奏者的第一张名片。上场时，要先向评委鞠躬。曲目弹完，要离开舞台时也要向评委鞠躬。等待比赛或比赛结束后在会场要保持安静。
(10)钢琴和表演扩展阅读：
钢琴弹奏技巧
1、在钢琴演奏技术中，音阶也是一种基础，音阶的内容包括：大调，小调。而大，小调又分为自然大调，自然小调，和声，旋律小调，五声音阶，半音阶等，它的练习又可分为：同向、反向，从一个八度到四个八度，可于不同的节奏变化来练习，在练习中要注意手指下键后起键要快，每个手指要做好准备，集中力量，音阶讲求的是快速又均匀。
2、除了手指要放松以外，更重要的是穿、跨指的准备。穿、跨指要求快，手指提前到位来做好准备。用手腕配合。穿、跨指后手指要马上返回，做好下一个准备的工作，而琶音的练习和音阶是同样重要的，琶音练习手的伸缩幅度比音阶大，它一般的包括大、小三和弦，属七和弦和其它三和弦，七和弦等转位的练习。
3、琶音又分为短琶音和长琶音，练习琶音要注意手指力量的转移，手腕的动作，而穿、跨指仍然的一个重点，在弹奏琶音时手臂不能来帮忙，跨度大的地方不能弹成断奏，要连贯，当刚开始练习琶音时可用短琶音来帮助练习。