武戏表演
❶ 表演民间话剧、武打、古代故事时,人物可以腾云驾雾,做出各种高难度动作。 这是什么说明方法
吊威亚
影视武戏导演利用威亚技术的力学原理特点，广泛运用于影视动作特技之中。出神入化的空中飞人、翻腾、打斗等特技动作，在镜头里展现的微妙至极，人物传奇色彩渲染的栩栩如生，让广大电影电视观众尽饱眼福。
❷ 我国传统京剧舞台表演用四字概括
粉墨人生
京剧艺术特色
京剧耐人寻味，韵味醇厚。京剧舞台艺术在文学、表演、音乐、唱腔、锣鼓、化妆、脸谱等各个 方面，通过无数艺人的长期舞台实践，构成了一套互相制约、相得益彰的格律化和规范化的程式。它作为创造舞台形象的艺术手段是十分丰富的，而用法又是十分严格的。不能驾驭这些程式，就无法完成京剧舞台艺术的创造。由于京剧在形成之初，便进入了宫廷，使它的发育成长不同于地方剧种。要求它所要表现的生活领域更宽，所要塑造的人物类型更多，对它的技艺的全面性、完整性也要求得更严，对它创造舞台形象的美学要求也更高。当然，同时也相应地使它的民间乡土气息减弱，纯朴、粗犷的风格特色相对淡薄。因而，它的表演艺术更趋于虚实结合的表现手法，最大限度地超脱了舞台空间和时间的限制，以达到“以形传神，形神兼备”的艺术境界。表演上要求精致细腻，处处入戏；唱腔上要求悠扬委婉，声情并茂；武戏则不以火爆勇猛取胜，而以“武戏文唱”见佳。20世纪的第一个50年，是中国京剧的鼎盛时期，著名的“四大名旦”、前后“四大须生”都产生于这个时期.
❸ 京剧有那些表演艺术特点
京剧
【京剧起源】
中国京剧是中国的“国粹”，已有200年历史。京剧之名始见于清光绪二年（1876）的《申报》，历史上曾有皮黄、二黄、黄腔、京调、京戏、平剧、国剧等称谓，清朝乾隆五十五年（1790年）四大徽班进京后与北京剧坛的昆曲、汉剧、弋阳、乱弹等剧种经过五、六十年的融汇，衍变成为京剧，是中国最大戏曲剧种。其剧目之丰富、表演艺术家之多、剧团之多、观众之多、影响之深均为全国之冠。京剧是综合性表演艺术。集唱（歌唱）、念（念白）、做（表演）、打（武打）、舞(舞蹈)为一体、通过程式的表演手段叙演故事，刻划人物，表达"喜、怒、哀、乐、惊、恐、悲"思想感情。角色可分为：生（男人）、旦（女人）、净（男人）、丑（男、女人皆有）四大行当。人物有忠奸之分，美丑之分、善恶之分。各个形象鲜明、栩栩如生。
京剧是徽，汉两个剧种在北京融合以后形成的产物。但在形成过程中，汉调实占重要位置。严格地说，汉调的声腔，板式，剧目，字韵等，是后来形成京剧的主要“内涵”；徽班则是融会徽汉二调演员同台演出的“载体”。因此专家有谓：班曰徽班，调曰汉调。没有徽班，汉调演员无所依附，京剧很难形成。但是没有汉调演员，只有徽班，缺乏后来形成京剧的主要内涵，照样无法形成京剧。三庆班在1790年进京，只是载体出现的标志，距离新剧种京剧的产生，为时尚远。所以我们不能含糊地说京剧已经形成200年。
汉调演员最早进京的是米应先（又名米喜子），以演关羽戏蓍称，大约在1800年左右，曾春台徽班20年，但作为汉调演员，毕竟单枪匹马，影响并不广泛。大批汉调演员陆续进京，约在1820-1832年之间，蓍名者有王洪贵、李六、龙德云、谭志道等，最著名的是老生余三胜。这些汉调演员与徽班中的演员同台演出，徽调演员演的多为二黄、高拨子、吹腔、四平调等，间或亦演西皮调，昆腔和弋阳腔；而汉调演员演的则是西皮调和二黄调。京剧声腔的主要组成部分，无疑是西皮和二黄，从后来的京剧剧目和声腔看，更多的是源于汉剧，例如现在的传统戏《击鼓骂曹》《乌盆记》《卖马》《碰碑》，《琼林宴》等，都是源于汉剧。也有部分剧目源于徽剧，与卢胜奎等编演了许多京剧本（如《三国志》等），那已经是京剧基本形成以后的事了。
综上所述，可以看出：一，徽班进京，只是出现了产生京剧的载体；二，汉调演员进京后搭入徽班，与徽班演员同台演唱，互相影响，融合，再加上京音化，逐渐变为一个皮黄系统的新剧种，但汉剧的剧目，声腔，实为形成京剧的主要内涵，所以汉调演员入京，实为产生京剧的重要步骤，没有这一步，只有徽班，谈不到产生京剧；三，大批汉调演员进京是在1820年以后，又经过将近20年的融合，酝酿，京剧才逐步形成。第一代京剧演员的成熟和被承认，大约是在1840年左右。这就是我们认为京剧形成约为150年的历史根据。
另外还有一个佐证，就是第一部京剧剧本是在道光二十年（1840）刊行问世的署名观剧道人所著的《极乐世界》，其凡例中有这样的话：“二黄之尚楚音，犹昆曲之尚吴音，习俗然也。今将以悦京师之耳，故概用京音。间有读仄为平者，元人北曲已有其例，幸勿嗤为谬妄。”可是：一，京剧主要尚楚音《即汉调》，不是尚徽音。二，由汉调演化为京剧的关键因素之一是京音化《当然只是部分字音的京化》。三，在1840年《极乐世界》出现以前，并无京剧剧本。因此界定京剧形成的时间为距今150年左右，是比较符合历史的客观实际的。
京剧形成以来，涌现出大量的优秀演员，他们对京剧的唱腔、表演，以及剧目和人物造型等方面的革新、发展做出了贡献，形成了许多影响很大的流派。如老生程长庚、余三胜、张二奎、谭鑫培、汪桂芬、孙菊仙、汪笑侬、刘鸿声、王鸿寿、余叔岩、高庆奎、言菊朋、周信芳、马连良、杨宝森、谭富英、李少春等；小生徐小香、程继先、姜妙香、叶盛兰等；武生俞菊笙、黄月山、李春来、杨小楼、盖叫天、尚和玉、厉慧良等；旦角梅巧玲、余紫云、田桂凤、陈德霖、王瑶卿、梅兰芳、程砚秋、荀慧生、尚小云、欧阳予倩、冯子和、筱翠花、张君秋等、老旦龚云甫、卧云居士、李多奎、李金泉等；净角穆凤山、黄润甫、何桂山、裘桂仙、金少山、裘盛戎等；丑角刘赶三、杨鸣玉、王长林、萧长华等。此外还有著名琴师孙佑臣、梅兰田、徐兰沅、王少卿、杨宝忠等；著名鼓师杭子和、白登云、王燮元等。
【艺术特色】
京剧舞台艺术在文学、表演、音乐、唱腔、锣鼓、化妆、脸谱等各个方面，通过无数艺人的长期舞台实践，构成了一套互相制约、相得益彰的格律化和规范化的程式。它作为创造舞台形象的艺术手段是十分丰富的，而用法又是十分严格的。不能驾驭这些程式，就无法完成京剧舞台艺术的创造。由于京剧在形成之初，便进入了宫廷，使它的发育成长不同于地方剧种。要求它所要表现的生活领域更宽，所要塑造的人物类型更多，对它的技艺的全面性、完整性也要求得更严，对它创造舞台形象的美学要求也更高。当然，同时也相应地使它的民间乡土气息减弱，纯朴、粗犷的风格特色相对淡薄。因而，它的表演艺术更趋于虚实结合的表现手法，最大限度地超脱了舞台空间和时间的限制，以达到“以形传神，形神兼备”的艺术境界。表演上要求精致细腻，处处入戏；唱腔上要求悠扬委婉，声情并茂；武戏则不以火爆勇猛取胜，而以“武戏文唱”见佳。
❹ 京剧的表演形式
京剧的表演形式包括唱、念、做、打。
相关介绍：
戏曲演员从小就要从这四回个方面进行训练，虽然有的答演员擅长唱功（唱功老生），有的行当以做功（花旦）为主，有的以武打为主（武净）。但是要求每一个演员必须有过硬的唱、念、做、打四种基本功。只有这样才能充分地发挥京剧的艺术特色。更好地表现和刻画戏中的各种人物形象。
(4)武戏表演扩展阅读
相关背景：
京剧舞台艺术在文学、表演、音乐、唱腔、锣鼓、化妆、脸谱等各个方面，通过无数艺人的长期舞台实践，构成了一套互相制约、相得益彰的格律化和规范化的程式。它作为创造舞台形象的艺术手段是十分丰富的，而用法又是十分严格的。
京剧的表演艺术更趋于虚实结合的表现手法，最大限度地超脱了舞台空间和时间的限制，以达到“以形传神，形神兼备”的艺术境界。表演上要求精致细腻，处处入戏；唱腔上要求悠扬委婉，声情并茂；武戏则不以火爆勇猛取胜，而以“武戏文唱”见佳。
参考资料来源：网络-京剧
❺ 如何理解京剧中的”武戏文唱“
来京剧中有“武戏文唱”源和“文戏武唱”两说。“武戏文唱”是说，演武戏的时候不能一直打到底，要有唱词，表情，武戏必须有故事性，这是京剧和杂技区分的原因。京剧《三英战吕布》，先是刘关张跟吕布对话（文戏），再是武打。
亦有把“武戏文唱”理解为通过暗示或念唱代替武打。“文戏武唱”说唱文戏一样要有肢体动作和动感演出。很多文戏都有翻跟斗点缀，这就是“文戏武唱”。“武戏文唱”被报纸引申为通过谈判结束武力冲突。
京剧“武戏文唱”，就是指武戏演出，要有故事性，有唱念台词和气氛烘托。
❻ 京剧 武戏文唱 名词解释
我自己先尝试着解释一下，所谓“武戏文唱”，应该是杨（小楼）派武生的特点，也是所有当今武生演员都在追求的最高表演境界。武戏文唱是说，讲究人物的刻画，在唱、念、做、打各方面都注意，而不仅仅是在武打技巧上下功夫。所以说虽然行当是武生，演的是武戏，但是同样是刻画人物，因此同样需要借鉴文戏中人物刻画的表演手法。
下面摘录一些文章中对“武戏文唱”的论述：
摘自《杨小楼的武戏文唱》：
杨派武生的一个最鲜明的艺术特点就是讲究“武戏文唱”。关于“武戏文唱”，著名京剧表演家李少春有一段精到的论述：“武戏不是武打到底，武中还有文场子。即使在武打中也要注意表现人物。如果武戏演员除了精通本行外，还有一定的文戏底子，那就很有助于他进一步把握人物的神态特征，然后通过各种技巧来体现。“杨小楼的武戏文唱，把动静结合趋于化境，不瘟不火，举重若轻。他在《长坂坡》中所饰的赵云，既有叱咤风云的猛将风度，又有雍容大雅的儒将气质，素有“活赵”云”之誉。他在《霸王别姬》中所饰的霸王，神气雍容华贵，动作稳健厚重，话白沉重雅饰，其帝王气度，连素有“金霸王”之称的金少山也要逊色三分。这些个人物的成功塑造，都得益于杨小楼能把握“武戏文唱”的精髓。使杨派武生在继承了第一代武生代表俞菊笙的“稳”“准”“狠”的特色之外，更多出了一个“美”字。正是这种美的飞升，使武生行当完成了由“演技”到“演戏”，由“重真”到“重美”的进化过程。其结果，彰著了武生行的美感、魅力，大大提高了武生行的艺术品位，使之具有了和老生行，旦行相抗衡的力量，构成了京剧艺术中不可缺少的一个系列。
摘自《杨小楼的空前绝后》
一般人对杨小楼的评论，往往认为他是“武戏文唱”，近几十年来且流为概念，笔者愿对这几个字作一分析和诠释。唱戏的人要唱、做、念、打四种剧艺平均发展到某一水准，才算成功。事实上，具有这样功夫的人太少了，只有三项够水准，甚而至两样很精彩，就可以成名了。老生如余叔岩够，马连良打差一点，谭富英念、做都差，但都享大名。梅、程、尚、荀也非平均发展。杨小楼的武生，不但武功好，有嗓子能唱善念，又最擅表情，他四样条件都平均发展。年轻时身手正好，观众都注意他的武功，没有人认为“武戏文唱”。到了中年以后，武功因年龄关系，当然退化；而唱、做、念反更精进。相形之下，只看过他晚年戏的人，所见到的只是他唱、做、念的精湛表现，而在武功上并不突出，就认为他“武戏文唱”了。其实他何尝不卖武功呢？不过较年轻时间简略一些罢了。他脚底下地方之准，尺寸之快，已入化境，有“脚底有眼”的美誉。他走两步转一个圈，你快走三步都赶不上。打把子也是，看他动得少动得慢，你要很快才跟得上，这是火候，但在一般人眼里，就认为“文唱”了。所以，杨小楼的艺剧，年轻时，唱、做、念各打九十分，打是一百分。到了晚年，唱、做、念各打一百分，打还是一百分的底子，而表现出来像八十分。
❼ 唱念做打的主要表演
潮剧舞台上，演员对人物的塑造离不开一系列的表演手段，这些手段通常概括为唱、念、做、打四个方面，习惯上把它们叫做“四功”。演员扮演一个角色，这四个方面必须是有机结合、缺一不可。不同的剧目、不同的行当，唱、念、做、打各有所侧重，例如，《芦林会》以“唱”感人，《闹钗》以“做”服人；小生、闺门旦重唱，官袍丑、踢鞋丑重做，武生、武旦、武净重打，花旦、项衫丑唱做并重，等等。观众可以从具体的剧目和角色去领略这“四功”带给你的不同感受。 潮剧的打，即武打。潮剧舞台用的是南派武功，有拉山、开山、托山、拉跋手、大八字马、小八字马、丁字马、大纺山、翻跟斗、小跳、黄蜂采花、观音坐莲、跳踢、磕马、割韭菜等等表演程式。（据叶清发《潮剧四功五法与五法基础》）“表演气重于势，猛重于威，讲究真实、逼真，它汲取民间拳术，以及一些杂耍，富有地方特色。建国后汲取京剧武艺，使潮剧武戏技艺更为丰富多姿。”（据《潮剧志》）
潮剧的唱、念、做、打已有了成套的程式规范，但必须引起注意的是，随便背弃传统应当引以为戒，但墨守成规也是不可取的，与时俱进，去粗取精，积极从生活中汲取养分，丰富、完善潮剧表演技法，将是潮剧发展的一个永恒主题。再者，“戏不离技，技不压戏”，一切的技艺都是为戏的整体服务的，一个优秀的演员需当“身怀绝技”，但并从不单纯卖弄技巧，而是合理根据剧情的需要，通过技巧生动传神地刻画人物性格特征和喜怒哀乐。
❽ 最后出场表演又叫什么
压轴和大轴
《咬文嚼字》2000年第12期《梅兰芳“压大轴”》一文，所谈压轴和大轴，解释都是对的，但我想补充一点情况。压轴和大轴，都是京剧界用语。旧时戏园演白天戏，中午十二点多开锣，到傍晚六点多打住，戏目有六七个甚至八九个。一般分为三段。前三出通常为新角儿或学生们演，中间两三出比较好，后三出是观众最欢迎的戏。这三段每一段的末一出，叫做“轴子”——前轴子、中轴子、大轴子。这是清未民初北京几家戏园子演戏的规程。所以说“轴子”就是最末演的剧目，倒数第二出便成了“压轴”。
为什么有人写文章说最好的演员所演的剧目为“压轴”呢？这也和北京老戏班的传统有关。派戏人总是把唱工最好的戏，也就是这戏班中的台柱演员的戏，排在倒数第二出。而最末一出戏，则是全武行的戏(本戏班全体武行演员参加演出)。这类戏占用时间也就是一刻钟，所谓“一打一散”(角色上来简单地交代一下情由，就双方开打，打几回合胜负一定，戏就结束)。多数听戏行家，达官贵人之属，看大轴子一上，往往就起座出园。过去京剧典籍里有一首《戏提调歌》，形容戏班组织者的境遇，有这样一句：“轴子一上就套车”，说的就是这个情况。达官贵人来看戏都是坐骡车来的。主人们听戏，赶车人就把骡子卸套，喂草，也可以进园子靠墙听听蹭戏，等大轴子武戏一上，就着手套车，把骡子架到辕上，打点好轿车等主人出场。等不到散戏，许多看客已经走开。所以那年代的大轴子，又叫“送客戏”。真正好戏乃在倒数第二出的压轴。
由于这种传统，致使当今还有些本来不太懂京戏的人，老以为压轴是每场戏的末出，演员是最好的。把“压”字当做“最后一着”理解。
❾ 京剧武生表演用到了哪几种艺术形式
常言道“没有规矩不成方圆”，京剧的表演也不例外。就拿京剧中武生这一行当来讲。从学习脚步、圆场、弓箭步、马步，耗“山膀”、“起云手”、“缓手”及手式运用的这些基础训练，到开始学一出完整戏，将这出戏拉熟，再到把这出戏搬上舞台，这一系列过程都必须按步就班，踏踏实实一步步来，不能急于求成。这一过程是没有捷径可通的。近来在电视上常播出的一些武生演员及他们演出的武生戏，让观众看着总感觉不那么精彩，原因就在于这些演员中，有的是基础没砸瓷实，有的则是刚学会一出戏，还没有能将戏练熟就忙于登 当年我祖父(李洪春)在世时常说“成为一名好角儿，第一是上乘的传授，第二才是个人艺术造诣。如果给孩子说戏一定得是身上没毛病，还得是个唱明白戏的人。嘉嘉要是能跟金璐、或者玉声学都毁不了。”祖父的话说明了教戏的老师是极为重要。因为是开蒙，祖父就对家里人说“这捏骨缝的事，就别让他金璐师伯费劲了。”于是我的开蒙就交给了三伯。三伯为我选的开蒙戏是《小商河》，这出戏是我三伯李玉声的代表剧目，他选这出戏做为给我开蒙的主要目的是：一、这出戏身段难，有很多单枪与马鞭的动作与造型；二、技巧多，各式各样的鹞子翻身；三、对脚下功力要求高，圆场、云步、搓步、脚下要求稳，不能有费步。如果上一步就要有上这一步的道理。如能掌握了这些要点，就可以为将来成为合格的武生打下相当硬的底子了。学完了《小商河》这样的戏，再学习其他武戏也就相对容易多了。至今我能够在舞台上圆满演好的每出戏，完全是受益于这出《小商河》。 三伯教戏时仔细之极，每一个动作，上身如何动，手如何缓，缓手时眼睛看什么地方，手缓到什么地方脚下动哪一步，身子如何让靠旗，如何要锣经，坑卡麻砸都说得非常精确。三伯在技巧设计与安排上，也非常讲究。《小商河》“三场边”中的“三个单腿翻身”，表面看来是一个技巧，但三伯在舞台上运用时，完全是为了表现环境而安排的。三伯教得明白，我自然也就学得明白。这出《小商河》给我砸下了极深的基础。 在跟随四伯(李润声)学戏时，四伯常教导我京剧武生的表演要做到“意到技随、形开神现”。四伯的教学特点是要求脸上与身上的配合。在教我《挑华车》“挑车”一场戏时，高宠每挑一辆车时内心活动是不一样的，眼神也就不能一样。见头一辆车，高宠不知到是什么东西，这时有一个看大枪的“戏”。这样的表演是让观众看到高宠内心的语言“有这杆枪我什么都不用怕”。在看我金璐师伯演出的《挑华车》时，他在挑车一场戏中，重点是放在演戏上，他眼神与身段的配合完美之极。现在很多演员在唱这场戏时，都不重视肢体的语言了，他们就想等着拿摔叉得好了。这些演员演的也就不是高宠了，他们只是在舞台上卖艺。所以看这些演员的演出是不会给人留下深刻印象的。看过这些演员的演出，总让我想起老艺术家们常说的一句话“跟不会一样”。这句话实际上话糙而理不糙，因为一位演员在舞台上表演，观众是可以看出他这出戏是否受过高人的指点，是学过(有老师教不是看录像学的)、还是拉过的。 我从小受三伯、四伯以及我的众位师伯们这样一系列的教育，深知舞台上人物的表演重点应当放在何处，以何种技巧来合理的配合表演。如果在舞台上只靠单独卖弄技巧而博得观众掌声的演员，演的只是杂技而不是戏，也就更谈不上什么人物了。现在杂技团的演员们都训练身段及面部表情了，京剧演员们恰恰到不重视这一应当最受重视的要点了。且先不谈戏中人物的表演，就武生身段的规范现在也没有了。过去连一个“山膀”的动作，各行当“拉开”时的手放在什么位置上，都有严格的要求――生齐胸；净齐肩；旦齐乳；丑齐脐。现在看某些演员在台上“拉一个山膀”，用传统的规范要求来检验一下他们的身段，我都不知他们到底是什么“行当”？再拿程式动作“起霸”来说，现在许多演员在舞台上“起霸”时，所站的几个位置都不准确。上场的“四击头”应站在何处，“三劈腿”应落到何处，撤步时左、右两只手各应放在哪儿，眼睛看什么地方，虎口朝何处，两个“四击头”亮在什么地方，这些都应该是有准地方的。光从以上这两点来说，就可看出京剧的表演是有严格规定的。身段动作与舞台位置都是要极其准确的。 京剧表演的难度极深，所以也就很难掌握。我认为京剧现在在如此的黯淡的时期，就更应当严格的规范演员的表演。我们要经常向专家请教，请专家们指明路途。不能自已在舞台上面盲目摸索。趁年青可以在舞台上充分发挥技巧，但要积累经验，要想达到炉火纯青，还一定要从刻画人物的表演着手，不能唱一辈子糊涂戏。 京剧现在很不景气，我们既然干了这一行业，就不能甘心随它灭亡，虽然不能将它发扬光大，但也要尽自己最大的努力来拯救它。望我们的所有武戏演员在演每一出戏之前，一定要先学会这出戏，等将这出戏“拉熟”之后再搬上舞台。每演一出戏就要有给人留下回味的地方。这样才对得起自己，才对得起花钱买票看戏的观众们。李孟嘉 注：李孟嘉出身京剧世家，乃“红生”宗师李洪春老先生之嫡孙、北京京剧院优秀青年武生演员。